Edvard Munch (1863-1944) v 1902.

  • Profese: Malíř.
  • Rezidence: Oslo, Paříž, Berlín.
  • Vztah k Mahlerovi: Viz Marina Fistoulari Mahler (1943).
  • Korespondence s Mahlerem: Ne.
  • Narozen: 12. 12. 1863 Adalsbruk, Norsko.
  • Zemřel: 23 Ekely poblíž Osla (Christiania), Norsko. Ve věku 01.
  • Pohřben: 00-00-0000 Vår Frelsers gravlund, Oslo, Norsko.

Edvard Munch byl norský malíř a grafik, jehož intenzivně evokující zpracování psychologických témat vycházelo z některých hlavních principů symbolismu z konce 19. století a do značné míry ovlivnilo německý expresionismus na počátku 20. století. Jedním z jeho nejznámějších děl je Výkřik z roku 1893.

Edvard Munch se narodil na statku ve vesnici Ådalsbruk v Løtenu v Norsku Laure Catherine Bjølstadové a Christianovi Munchovi, synovi kněze. Christian byl lékař a lékař, který se v roce 1861 oženil s Laurou, polovinou svého věku. Edvard měl starší sestru Johanne Sophie a tři mladší sourozence: Petera Andrease, Lauru Catherine a Inger Marie. Zdá se, že Sophie i Edvard zdědili svůj umělecký talent po své matce. Edvard Munch byl příbuzný malíře Jacoba Muncha a historika Petera Andrease Muncha.

Rodina se přestěhovala do Christianie (nyní Oslo) v roce 1864, kdy byl Christian Munch jmenován lékařem na pevnosti Akershus. Edvardova matka zemřela na tuberkulózu v roce 1868, stejně jako Munchova oblíbená sestra Johanne Sophie v roce 1877. Po matčině smrti byli sourozenci Munchovi vychováni jejich otcem a jejich tetou Karen. Edvard, který byl po většinu zimy nemocný a byl mimo školu, kreslil, aby byl stále obsazený. Učili ho jeho spolužáci a jeho teta. Christian Munch také instruoval svého syna o historii a literatuře a děti pobavil živými strašidelnými příběhy a příběhy amerického spisovatele Edgara Allana Poea.

Jak si Edvard pamatoval, Christianovo pozitivní chování vůči jeho dětem bylo zastíněno jeho chorobným pietismem. Munch napsal: „Můj otec byl temperamentně nervózní a posedlý náboženstvím - až do psychoneurózy. Po něm jsem zdědil semínka šílenství. Andělé strachu, smutku a smrti stáli po mém boku ode dne, kdy jsem se narodil. “Christian pokáral své děti tím, že jim řekl, že jejich matka se dívá z nebe dolů a truchlí nad jejich špatným chováním. Tísnivé náboženské prostředí plus Edvardovo špatné zdraví a živé příběhy duchů pomohly inspirovat jeho děsivé vize a noční můry; chlapec cítil, že smrt na něj neustále postupuje. Jedna z Munchových mladších sester byla diagnostikována s duševními chorobami v raném věku. Z pěti sourozenců se oženil pouze Andreas, ale zemřel několik měsíců po svatbě. Munch později napsal: „Zdědil jsem dva nejděsivější nepřátele lidstva - dědictví konzumu a šílenství.“

Christian Munch vojenský plat byl velmi nízký a jeho pokusy vyvinout soukromý postranní postup selhaly a udržovaly jeho rodinu v nóbl, ale trvalé chudobě. Často se stěhovali z jednoho levného bytu do druhého. Munchovy rané kresby a akvarely zobrazovaly tyto interiéry a jednotlivé objekty, jako jsou lékovky a kreslicí nástroje, plus některé krajiny. V jeho mladistvém věku dominovalo Munchovým zájmům umění. Ve třinácti se Munch poprvé představil dalším umělcům v nově vytvořené Umělecké asociaci, kde obdivoval práci norské krajinské školy. Vrátil se kopírovat obrazy a brzy začal malovat oleji.

Studie a vlivy

V roce 1879 se Munch zapsal na technickou školu, kde studoval inženýrství, kde vynikal ve fyzice, chemii a matematice. Naučil se kreslit v měřítku a perspektivě, ale studium mu přerušily časté nemoci. Následující rok, ke svému otcovu zklamání, Munch opustil školu odhodlaný stát se malířem. Jeho otec považoval umění za „nesvatý obchod“ a jeho sousedé hořce zareagovali a poslali mu anonymní dopisy. Na rozdíl od zběsilého pietismu jeho otce zaujal Munch nedogmatický postoj k umění. Svůj cíl si zapsal do deníku: „Ve svém umění se pokouším vysvětlit život a jeho význam sám sobě.“

V roce 1881 se Munch zapsal na Královskou školu umění a designu Christiania, jejíž jedním ze zakladatelů byl jeho vzdálený příbuzný Jacob Munch. Jeho učiteli byli sochař Julius Middelthun a naturalistický malíř Christian Krohg. Ten rok Munch demonstroval své rychlé vstřebání tréninku postavy na Akademii ve svých prvních portrétech, včetně jednoho z jeho otce a jeho prvního autoportrétu. V roce 1883 se Munch zúčastnil své první veřejné výstavy a sdílel ateliér s ostatními studenty. Jeho celovečerní portrét Karla Jensena-Hjella, notoricky známého bohémského města, si vysloužil kritickou odmítavou odpověď: „Je to extrémismus impresionismu. Je to travesty umění. “ Munchovy nahé obrazy z tohoto období přežívají pouze ve skicách, kromě Stálého aktu (1887). Mohl jim být zkonfiskován jeho otcem.

Během těchto raných let Munch experimentoval s mnoha styly, včetně naturalismu a impresionismu. Některá raná díla připomínají Maneta. Mnoho z těchto pokusů mu přineslo nepříznivou kritiku tisku a sbíralo mu neustálé pokárání ze strany jeho otce, který mu přesto poskytoval malé částky na životní náklady. V jednom okamžiku však Munchův otec, možná pod vlivem negativního názoru Munchova bratrance Edvarda Dirikse (zavedeného tradičního malíře), zničil alespoň jeden obraz (pravděpodobně nahý) a odmítl poslat další peníze za umělecké potřeby.

Munch také získal hněv svého otce pro jeho vztah s Hansem Jægerem, místním nihilistou, který žil podle kódu „vášeň zničit je také tvůrčí vášeň“ a který obhajoval sebevraždu jako konečnou cestu ke svobodě. Munch se dostal pod své zlovolné kouzlo proti založení. "Moje myšlenky se vyvinuly pod vlivem bohémů nebo spíše pod Hansem Jægerem." Mnoho lidí mylně tvrdilo, že moje myšlenky se formovaly pod vlivem Strindberga a Němců ... ale to je špatně. Do té doby už byly vytvořeny. “ V té době, na rozdíl od mnoha ostatních bohémů, byl Munch stále ohleduplný k ženám, stejně jako zdrženlivý a vychovaný, ale začal se poddávat nadměrnému pití a rvačce svého kruhu. Byl znepokojen sexuální revolucí probíhající v té době a nezávislými ženami kolem něj. Později se stal cynickým, pokud jde o sexuální záležitosti, vyjádřený nejen v jeho chování a jeho umění, ale také v jeho spisech, příkladem je dlouhá báseň s názvem Město volné lásky. Munchův vztah s otcem byl stále závislý na své rodině a zůstával napjatý kvůli obavám o jeho bohémský život.

Po četných experimentech Munch dospěl k závěru, že impresionistický idiom neumožňuje dostatečný výraz. Zjistil, že je to povrchní a příliš podobné vědeckému experimentování. Cítil potřebu jít hlouběji a prozkoumat situace plné emocionálního obsahu a expresivní energie. Pod Jægerovým přikázáním, že Munch by měl „napsat svůj život“, což znamená, že Munch by měl prozkoumat svůj vlastní emocionální a psychologický stav, začal mladý umělec období reflexe a sebezkoumání a zaznamenával své myšlenky do svého „duší duše“. Tato hlubší perspektiva mu pomohla přejít k novému pohledu na jeho umění. Napsal, že jeho obraz Nemocné dítě (1886), založený na smrti jeho sestry, byl jeho prvním „obrazem duše“, jeho první přestávkou od impresionismu. Obraz získal negativní odezvu od kritiků i od jeho rodiny a způsobil další „násilný výbuch morálního rozhořčení“ ze strany komunity.

Bránil ho pouze jeho přítel Christian Krohg:

Maluje, respektive respektuje věci způsobem, který se liší od jiných umělců. Vidí jen to podstatné, a to je přirozeně vše, co maluje. Z tohoto důvodu jsou Munchovy obrázky zpravidla „nedokončené“, protože lidé je tak rádi objevují sami. Ano, jsou kompletní. Jeho kompletní ruční práce. Umění je dokončeno, jakmile umělec skutečně řekl všechno, co měl na mysli, a to je přesně ta výhoda, kterou má Munch oproti malířům druhé generace, že opravdu ví, jak nám ukázat, co cítil a co ho chytilo, a tomu podřizuje vše ostatní.

Munch pokračoval v používání různých technik tahů štětcem a barevných palet v 1880. a na počátku 1890. let, když se snažil definovat svůj styl. Jeho idiom se i nadále pohyboval mezi naturalistickým, jak je vidět v Portréte Hanse Jægera, a impresionistickým, jako v Rue Lafayette. Jeho Inger On the Beach (1889), který způsobil další bouři zmatku a kontroverze, naznačuje zjednodušené formy, těžké obrysy, ostré kontrasty a emotivní obsah jeho zralého stylu, který přijde. Začal pečlivě počítat své skladby, aby vytvořil napětí a emoce. I když byl stylisticky ovlivněn postimpresionisty, vyvinulo se téma, které bylo obsahově symbolistické a zobrazovalo spíše stav mysli než vnější realitu. V roce 1889 představil Munch svou první one-man show téměř všech svých dosavadních děl. Uznání, kterého se mu dostalo, vedlo k dvouletému státnímu stipendiu ke studiu v Paříži u francouzského malíře Léona Bonnata.

Paříž

Munch dorazil do Paříže během slavností Expozice Universelle (1889) a ubytoval se se dvěma kolegy norskými umělci. Jeho obraz Morning (1884) byl vystaven v norském pavilonu. Ráno trávil v Bonnatově rušném studiu (které zahrnovalo živé ženské modely) a odpoledne na výstavě, v galeriích a muzeích (kde se od studentů očekávalo, že budou kopírovat jako způsob učení techniky a pozorování). Munch zaznamenal malé nadšení pro Bonnatovy lekce kreslení - „To mě unavuje a nudí - je to otupělé“ -, ale během výletů do muzeí si mistrovo komentování užilo.

Muncha nadchla ohromná ukázka moderního evropského umění, včetně děl tří umělců, kteří se ukázali jako vlivní: Paul Gauguin, Vincent van Gogh a Henri de Toulouse-Lautrec - to vše je pozoruhodné tím, jak používají barvu k vyjádření emocí. Munch byl zvláště inspirován Gauguinovou „reakcí proti realismu“ a jeho krédem, že „umění bylo lidskou prací a nikoli napodobeninou přírody“, víra dříve uvedla Whistler. Jak řekl jeden z jeho berlínských přátel později o Munchovi, „nemusí se vydat na Tahiti, aby viděl a zažil primitiva v lidské přirozenosti. Nosí v sobě své vlastní Tahiti. “

Toho prosince zemřel jeho otec a nechal Munchovu rodinu opuštěnou. Když se bohatí příbuzní nepomohli, vrátil se domů a zařídil velkou půjčku od bohatého norského sběratele a od té doby převzal finanční odpovědnost za svou rodinu. Christianova smrt ho deprimovala a sužovali ho sebevražedné myšlenky: „Žiji s mrtvými - mojí matkou, sestrou, dědečkem, otcem ... Zabijte se a pak je po všem. Proč žít? “ Munchovy obrazy následujícího roku zahrnovaly útržkovité scénky v hospodě a řadu jasných městských scenérií, ve kterých experimentoval s pointilistickým stylem Georgese Seurata.

Berlin

V roce 1892 formuloval Munch svou charakteristickou a originální syntetickou estetiku, jak je vidět v Melancholy (1891), ve které je barva prvkem nabitým symboly. Melancholy, kterou umělec a novinář Christian Krohg považoval za první symbolistický obraz norského umělce, byl vystaven v roce 1891 na podzimní výstavě v Oslu. V roce 1892 pozval Adelsteen Normann jménem Unie berlínských umělců Muncha, aby vystavoval na své listopadové výstavě, první společenské výstavě společnosti. Jeho obrazy však vyvolaly hořkou polemiku (přezdívanou „The Munch Affair“) a po jednom týdnu byla výstava uzavřena. Munch byl potěšen „velkým rozruchem“ a napsal v dopise: „Nikdy jsem neměl tak zábavný čas - je neuvěřitelné, že něco tak nevinného jako malba mělo vyvolat takový rozruch.“

V Berlíně se Munch zapojil do mezinárodního okruhu spisovatelů, umělců a kritiků, včetně švédského dramatika a předního intelektuála Augusta Strindberga, kterého maloval v roce 1892. Během čtyř let v Berlíně načrtl většinu myšlenek, které by zahrnovaly jeho hlavní dílo The Frieze of Life, nejprve určené pro knižní ilustraci, ale později vyjádřené v obrazech. Prodal málo, ale získal nějaké příjmy z účtování vstupného, ​​aby si mohl prohlédnout své kontroverzní obrazy. Už Munch projevoval neochotu se rozloučit se svými obrazy, které nazval „dětmi“.

Jeho další obrazy, včetně kasinových scén, ukazují zjednodušení formy a detailů, které poznamenaly jeho raně zralý styl. Munch také začal upřednostňovat mělký obrazový prostor a minimální kulisu pro své čelní postavy. Vzhledem k tomu, že pózy byly vybrány tak, aby vytvářely nejpřesvědčivější obrazy stavů mysli a psychologických podmínek, jako je tomu v popelu, poskytují postavy monumentální statickou kvalitu. Zdá se, že Munchovy postavy hrají role na divadelní scéně (Smrt v nemocné místnosti), jejíž pantomima pevných pozic znamená různé emoce; protože každá postava ztělesňuje jedinou psychologickou dimenzi, stejně jako v The Scream, Munchovi muži a ženy se začali zdát více symbolické než realistické. Napsal: „Už by neměly být vymalovány interiéry, čtení lidí a pletení žen: byli by živí lidé, dýchající a cítící, trpící a milující.“

Výkřik (1893)

Výkřik existuje ve čtyřech verzích: dva pastelové (1893 a 1895) a dva obrazy (1893 a 1910). Existuje také několik litografií Výkřiku (1895 a novější). Pastel 1895 prodaný v aukci 2. května 2012 za 119,922,500 1893 1994 USD, včetně provize. Je to nejpestřejší verze a vyznačuje se směrem dolů směřujícím postojem jedné z jejích postav na pozadí. Je to také jediná verze, kterou norské muzeum nedrží. Verze z roku 1910 byla ukradena z Národní galerie v Oslu v roce 2004 a obnovena. Obraz z roku 2006 byl ukraden v roce XNUMX z Munchova muzea v Oslu, ale v roce XNUMX se zotavil s omezeným poškozením.

Výkřik je Munchovo nejslavnější dílo a jeden z nejznámějších obrazů v celém umění. Bylo široce interpretováno jako představující univerzální úzkost moderního člověka. Malovaný širokými pruhy křiklavé barvy a vysoce zjednodušenými formami a využívající vysoké hledisko redukuje agonizovanou postavu na krojenou lebku v křečích emoční krize.

1893. Edvard Munch (1863-1944). Křik.

Tímto obrazem Munch splnil svůj stanovený cíl „studia duše, to znamená studia mého vlastního já“. Munch o vzniku obrazu napsal: „Šel jsem po silnici se dvěma přáteli, když zapadlo slunce; najednou se obloha zčervenala jako krev. Zastavil jsem a opřel se o plot, cítil jsem se nevýslovně unavený. Na modravě černém fjordu se táhly ohnivé jazyky a krev. Moji přátelé pokračovali v chůzi, zatímco já jsem zaostával a třásl se strachem. Pak jsem zaslechl obrovský nekonečný výkřik přírody. “ Později popsal osobní úzkost, která se skrývala za obrazem, „několik let jsem byl téměř naštvaný ... Znáš můj obrázek„ Výkřik? “ Byl jsem natažený na maximum - příroda křičela v mé krvi ... Potom jsem se vzdal naděje, že budu moci znovu milovat. “

Při shrnutí účinků obrazu autorka Martha Tedeschi uvedla: „Whistlerova matka, Woodova americká gotika, Mona Lisa od Leonarda da Vinciho a Výkřik Edvarda Muncha dosáhly toho, co většina obrazů - bez ohledu na jejich uměleckohistorický význam, krásu nebo peněžnost hodnota - nemají: sdělují konkrétní význam téměř okamžitě téměř každému divákovi. Těchto několik prací úspěšně provedlo přechod z elitní říše návštěvníka muzea do obrovského místa populární kultury. “

Frieze of Life - Báseň o životě, lásce a smrti

V prosinci 1893 byl v Berlíně Unter den Linden výstavou Munchova díla, kde bylo mimo jiné uvedeno šest obrazů s názvem Studie pro seriál: Láska. Tím začal cyklus, který později nazval Vlys života - báseň o životě, lásce a smrti. Motivy „Frieze of Life“, jako například The Storm a Moonlight, jsou ponořeny do atmosféry. Další motivy osvětlují noční stránku lásky, například Rose a Amelie a Upír. V Death in the Sickroom je předmětem smrt jeho sestry Sophie, kterou přepracoval v mnoha budoucích variantách. Dramatické zaměření obrazu, zobrazujícího celou jeho rodinu, je rozptýleno v samostatných a nesouvislých postavách smutku. V roce 1894 rozšířil spektrum motivů přidáním Úzkosti, Popelu, Madony a žen ve třech fázích (od nevinnosti po stáří).

Kolem počátku 20. století pracoval Munch na dokončení „Vlysu“. Namaloval řadu obrazů, několik z nich ve větším formátu a do jisté míry s dobovou secesní estetikou. Pro velký obraz Metabolismus (1898), původně zvaný Adam a Eva, vyrobil dřevěný rám s vyřezávanými reliéfy. Tato práce odhaluje Munchovu zaujetí „pádem člověka“ a jeho pesimistickou filozofií lásky. Motivy jako Prázdný kříž a Golgota (obě kolem 1900) odrážejí metafyzickou orientaci a odrážejí také Munchovu pietistickou výchovu. Celá Frieze byla poprvé představena na secesionistické výstavě v Berlíně v roce 1902.

Témata „Frieze of Life“ se v Munchově díle opakují, ale soustředil se na ně zejména v polovině 1890. let. V náčrtcích, obrazech, pastelech a grafikách poklepal na hloubku svých pocitů, aby prozkoumal jeho hlavní motivy: životní etapy, femme fatale, beznaděj lásky, úzkosti, nevěry, žárlivosti, sexuálního ponížení a odloučení v životě a smrt. Tato témata jsou vyjádřena v obrazech, jako jsou The Sick Child (1885), Love and Pain (retitled Vampire; 1893-94), Ashes (1894) a The Bridge. Ten ukazuje ochablé postavy s nevýraznými nebo skrytými tvářemi, nad nimiž se tyčí hrozivé tvary těžkých stromů a napjatých domů. Munch zobrazoval ženy buď jako křehké, nevinné trpící (viz Puberta a Láska a bolest), nebo jako příčiny velké touhy, žárlivosti a zoufalství (viz Odloučení, Žárlivost a Popel).

Munch často používá stíny a barevné kruhy kolem svých postav, aby zdůraznil auru strachu, hrozby, úzkosti nebo sexuální intenzity. Tyto obrazy byly interpretovány jako odrazy umělcových sexuálních úzkostí, i když lze také tvrdit, že představují jeho bouřlivý vztah k samotné lásce a jeho obecný pesimismus ohledně lidské existence. Mnoho z těchto náčrtů a obrazů bylo provedeno v několika verzích, například Madonna, Hands and Puberty, a také přepsány jako dřevoryt a litografie. Munch nerad se s jeho obrazy rozcházel, protože o své práci uvažoval jako o jediném výrazu.

Aby tedy využil svou produkci a vydělal nějaké příjmy, obrátil se na grafiku k reprodukci mnoha svých nejslavnějších obrazů, včetně těch v této sérii. Munch přiznal osobní cíle své práce, ale také nabídl své umění v širším smyslu: „Moje umění je ve skutečnosti dobrovolné vyznání a pokus vysvětlit si svůj vztah k životu - je to tedy vlastně jakýsi egoismus , ale neustále doufám, že díky tomu mohu pomoci ostatním dosáhnout jasnosti. “

I když přitahoval silně negativní reakce, v 1890. letech XNUMX. století Munch začal chápat určité pochopení svých uměleckých cílů, jak napsal jeden kritik: „S bezohledným pohrdáním formou, jasností, elegancí, celistvostí a realismem maluje s intuitivní silou talentu nejvíce jemné vize duše. “ Jedním z jeho velkých příznivců v Berlíně byl Walther Rathenau, později německý ministr zahraničí, který výrazně přispěl k jeho úspěchu.

Paříž, Berlín a Christiania

V roce 1896 se Munch přestěhoval do Paříže, kde se zaměřil na grafická znázornění svých témat „Frieze of Life“. Dále rozvíjel dřevoryt a litografickou techniku. Munchův autoportrét s kostlivým ramenem (1895) se provádí metodou leptání jehlou a inkoustem, kterou také používá Paul Klee. Munch také produkoval vícebarevné verze „Nemocného dítěte“, které se dobře prodávaly, stejně jako několik aktů a několik verzí Kiss (1892). Mnoho pařížských kritiků stále považovalo Munchovo dílo za „násilné a brutální“, ale jeho výstavám se dostalo vážné pozornosti a dobré účasti. Jeho finanční situace se značně zlepšila a v roce 1897 si Munch koupil letní dům s výhledem na fjordy Christianie, malé rybářské chatky postavené na konci 18. století, v městečku Åsgårdstrand v Norsku. Tento dům nazval „Happy House“ a vracel se sem téměř každé léto na příštích 20 let. Bylo to místo, které mu chybělo, když byl v zahraničí, a v obdobích, kdy se cítil depresivní a vyčerpaný. "Procházka v Åsgårdstrand je jako procházka mezi mými obrazy - když jsem tady, tak se nechám inspirovat malováním."

V roce 1897 se Munch vrátil do Christianie, kde také přijal neochotné přijetí - jeden kritik napsal: „Značný počet těchto obrázků byl již dříve vystaven. Podle mého názoru se tyto znalosti zlepšují. “ V roce 1899 zahájil Munch intimní vztah s Tullou Larsenovou, „osvobozenou“ ženou vyšší třídy. Společně odcestovali do Itálie a po návratu Munch zahájil další plodné období ve svém umění, které zahrnovalo krajiny a jeho poslední malbu v seriálu „Vlys života“, Tanec života (1899). Larsen dychtil po manželství a Munch prosil.

Jeho pití a špatné zdraví posilovaly jeho obavy, jak napsal ve třetí osobě: „Už od dětství nenáviděl manželství. Jeho nemocný a nervózní domov mu dával pocit, že nemá právo se oženit. “ Munch málem ustoupil Tulle, ale uprchl z ní v roce 1900, také se odvrátil od svého značného majetku a přestěhoval se do Berlína. Jeho Dívky na molu, vytvořené v osmnácti různých verzích, demonstrovaly téma ženské mládí bez negativních konotací. V roce 1902 tematicky vystavil svá díla v sále berlínské secese a vytvořil „symfonický efekt - vytvořil velký rozruch - hodně antagonismu - a hodně souhlasu“. Berlínští kritici začali oceňovat Munchovu práci, i když veřejnost stále považovala jeho práci za cizí a podivnou.

1902-1903. Edvard Munch (1863-1944). Letní noc na pláži. Vidět Marina Fistoulari Mahler (1943).

Dobré tiskové zpravodajství získalo Munchovu pozornost vlivných mecenášů Alberta Kollmana a Maxe Lindeho. Ve svém deníku popsal vývoj událostí: „Po dvaceti letech bojů a utrpení mi v Německu konečně přicházejí na pomoc síly dobra - a otevírají se mi jasné dveře.“ Navzdory této pozitivní změně však Munchovo sebezničující a nevyzpytatelné chování zahrnovalo nejprve násilnou hádku s jiným umělcem, poté náhodné střelby za přítomnosti Tully Larsenové, která se vrátila na krátké usmíření, což zranilo dva jeho prsty. Nakonec ho opustila a provdala se za mladšího kolegu Muncha. Munch to vzal jako zradu a ještě nějakou dobu se zdržoval ponížení a část hořkosti nasměroval do nových obrazů. Jeho obrazy Zátiší (Vražedkyně) a Smrt Marata I. z let 1906-1907 jasně odkazují na incident z natáčení a emotivní následky.

V letech 1903-1904 vystavoval Munch v Paříži, kde nadcházející fauvisté, proslulí svými odvážně falešnými barvami, pravděpodobně viděli jeho díla a mohli v nich najít inspiraci. Když v roce 1906 uspořádali Fauvesové své vlastní exponáty, byl Munch pozván a vystavil svá díla spolu s nimi. Po prostudování Rodinovy ​​sochy mohl Munch experimentovat s plastelínou jako pomůckou pro design, ale vytvořil malou sochu. Během této doby dostal Munch mnoho provizí za portréty a tisky, které zlepšily jeho obvykle nejistou finanční situaci. V roce 1906 namaloval obrazovku pro Ibsenovu hru v malém divadle Kammerspiele v berlínském Deutsches Theater, ve kterém byl zavěšen Vlys života. Režisér divadla Max Reinhardt jej později prodal; nyní je v berlínské národní galerii. Po dřívějším období krajiny v roce 1907 znovu obrátil pozornost k lidským postavám a situacím.

1907. Edvard Munch (1863-1944). Nemocné dítě.

Členění a zotavení

Na podzim roku 1908 se Munchova úzkost spojená s nadměrným pitím a rvačkami stala akutní. Jak později napsal: „Můj stav se blížil šílenství - bylo to dotek a jdi.“ S halucinacemi a pocity pronásledování vstoupil na kliniku Dr. Daniela Jacobsona. Terapie, kterou Munch dostával na příštích osm měsíců, zahrnovala dietu a „elektrifikaci“ (léčba, která byla tehdy v módě nervových podmínek, neměla by být zaměňována s elektrokonvulzivní terapií). Munchův pobyt v nemocnici stabilizoval jeho osobnost a po návratu do Norska v roce 1909 se jeho práce stala barevnější a méně pesimistickou. Široká veřejnost Christianie se konečně rozjasnila a nakonec se zahřála na jeho práci a jeho obrazy začaly nakupovat muzea. „Za služby v umění“ byl jmenován rytířem královského řádu sv. Olafa. Jeho první americký exponát byl v roce 1912 v New Yorku.

1912. Edvard Munch (1863-1944).

V rámci uzdravení Dr. Jacobson doporučil Munchovi, aby se stýkal pouze s dobrými přáteli a vyvaroval se pití na veřejnosti. Munch se této rady řídil a během toho vytvořil několik celovečerních portrétů vysoké kvality přátel a mecenášů - poctivé portréty postrádající lichotky. Rovněž vytvořil krajiny a scény lidí při práci a hraní s využitím nového optimistického stylu - širokých, volných tahů štětce zářivých barev s častým využitím bílého prostoru a vzácného použití černé - s občasnými odkazy na jeho morbidní témata. S vyšším příjmem mohl Munch koupit několik nemovitostí, které mu poskytly nové výhledy na jeho umění, a nakonec byl schopen zajistit svou rodinu.

Po vypuknutí první světové války jsem našel Muncha s rozdělenou loajalitou, když prohlásil: „Všichni moji přátelé jsou Němci, ale já miluji Francii.“ Ve 1930. letech ztratili jeho němečtí patroni, mnozí Židé, štěstí a některé i životy během rozmachu nacistického hnutí. Munch našel norské tiskárny, aby nahradily Němce, kteří tiskli jeho grafické práce. Vzhledem k jeho špatnému zdravotnímu stavu měl Munch v roce 1918 štěstí, že přežil záchvat španělské chřipky, celosvětové pandemie toho roku.

Pozdější roky

Munch strávil většinu svých posledních dvou desetiletí na samotě na svém téměř soběstačném panství v Ekely v Skøyenu v Oslu. Mnoho z jeho pozdních obrazů oslavuje život na farmě, včetně několika, kde jako vzor použil svého pracovního koně „Rousseau“. Bez jakéhokoli úsilí přilákal Munch stálý proud ženských modelů, které namaloval jako předměty mnoha nahých obrazů. S některými z nich měl pravděpodobně sexuální vztahy. Munch příležitostně opustil svůj domov, aby namaloval nástěnné malby na zakázku, včetně těch, které byly vyrobeny pro čokoládovnu Freia.

Až do konce svého života Munch pokračoval v malování nešetrných autoportrétů, čímž přispíval ke svému životnímu cyklu sebezpytování a své neochvějné sérii pohledů na své emocionální a fyzické stavy. Ve 1930. a 1940. letech označili nacisté Munchovo dílo za „zvrhlé umění“ (spolu s Picassem, Paulem Klee, Matisse, Gauguinem a mnoha dalšími moderními umělci) a odstranili jeho 82 děl z německých muzeí. Adolf Hitler v roce 1937 oznámil: „Všechno, na čem nám záleží, se tito prehistoričtí barbaři z doby kamenné a stutteri umění mohou vrátit do jeskyní svých předků a mohou uplatnit své primitivní mezinárodní škrábání.“

Edvard Munch (1863-1944).

V roce 1940 Němci napadli Norsko a vlády se ujala nacistická strana. Munchovi bylo 76 let. S téměř celou sbírkou svého umění ve druhém patře svého domu žil Munch ve strachu z nacistické konfiskace. Sedmdesát z obrazů dříve pořízených nacisty bylo vráceno do Norska nákupem sběratelů (dalších jedenáct se nikdy nepodařilo získat), včetně Výkřiku a Nemocného dítěte, a také oni byli před nacisty skryty.

Munch zemřel ve svém domě v Ekely poblíž Osla dne 23. ledna 1944, asi měsíc po jeho 80. narozeninách. Jeho nacistický orchestrovaný pohřeb navrhl Norům, že je nacistickým sympatizantem, což je jakési přivlastnění nezávislého umělce. Město Oslo koupilo panství Ekely od Munchových dědiců v roce 1946; jeho dům byl zbořen v květnu 1960. 

Hlavní práce

  • 1892: Večer u Karla Johana.
  • 1893: Výkřik.
  • 1894: Popel.
  • 1894-1895: Madonna.
  • 1895: Puberta.
  • 1895: Autoportrét s hořící cigaretou.
  • 1895: Smrt v nemocenské místnosti.
  • 1899–1900: Tanec života.
  • 1899–1900: Mrtvá matka.
  • 1903: Vesnice za svitu měsíce.
  • 1940–1942: Autoportrét: Mezi hodinami a postelí.

Pokud jste našli nějaké chyby, upozorněte nás prosím výběrem tohoto textu a stisknutím Ctrl + Enter.

Zpráva o pravopisné chybě

Následující text bude zaslán našim editorům: